Crítica (Opinión) de “Quiero comerme tu páncreas” (“Kimi no suizô wo tabetai”).

Soy de los que se enfadan al oír a esas personas que al ver que una película o serie de televisión es de animación ya se les viene a la cabeza esa errónea frase de “es para niños”, algo que uniéndolo al tema del japonés es aun mas erróneo si cabe. Pues como es lógico dentro del anime hay muchos géneros y los hay por supuesto para niños pero también se ofrecen propuestas que van pensadas para el público adulto (Y no, no hablo del Hentai). Esta es una de ellas.

“Quiero comerme tu páncreas” o “Kimi no suizô wo tabetai” es la hermosa adaptación al cine de la novela homónima obra de Yoru Sumino y dirigida por Shin’ichirô Ushijima. En verdad, hay dos películas basadas en esta exitosa novela de Sumino, aunque una de ellas es en versión a imagen real. De la que os hablo es de su versión anime que pude ver hace unas semanas atrás en una sala de cine.

Al igual que ocurriese en el clásico “La tumba de las luciérnagas” del director ya fallecido Isao Takahata esta película de Shin’ichirô Ushijima se presenta dando una bofetada directa al espectador pues uno de sus protagonistas muere y se nos da esa información desde su inicio. Aunque esto pudiese perjudicar el desarrollo de la historia no lo hace sino que la hace ser más interesante por la empatía que tenemos hacia sus dos protagonistas.

Esta reciente producción dirigida por Shin’ichirô Ushijima quien viene de realizar diversos cortos contiene una animación en manos de Yuichi Oka de lo más increíble así como un diseño de personajes excelente obra del propio Oka y una música fantástica compuesta por Hiroko Sebu que adorna los diferentes tramos de la película.

Venida de manos de Studio VOLN no dejará a nadie indiferente. Solo porque desde el inicio sabemos la tragedia que se viene encima no es hasta llegar a su tramo final cuando el corazón más fuerte caerá en un pozo de amargura y a más de uno le hará soltar unas cuantas lágrimas sin dudarlo. Lo prometo.

“Quiero comerme tu páncreas” (“Kimi no suizô wo tabetai”) es una película donde se presenta una historia de amor, de amistad, de emoción entre dos personas que en un principio no tienen nada en común pero que poco a poco se irán abriendo el uno al otro sentimentalmente.

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“Made in Abbys”, crítica (Opinión) de una de las últimas maravillas del anime actual.

En el verano del 2017 vio la luz en la televisión japonesa la adaptación a serie de anime para televisión de “Made in Abyss”, basada en el manga homónimo obra de Akihito Tsukushi. Al inicio de esta critica quiero dejar claro que “Made in Abyss” es una de mis series favoritas.

Lo primero que debéis saber es que esta serie no es lo que parece a simple vista, pues ya si decidís empezarla y veis el diseño de sus personajes esto puede llevaros a engaños a más de uno: Pues en verdad estamos ante una producción de ciencia ficción con toques de aventuras y ciertos elementos de horror.

“Made in Abbys” dirigida por Masayuki Kojima (“Monster”) cuenta en su primera temporada, ya se anuncio una segunda y quedan por estrenarse dos películas para cines, con13 episodios que están producidos por el estudio Kinema Citrus, responsable este de otras series de interés y que pueden ser algo desconocidas como son “Tokyo Magnitude 8.0” y “Black Bullet”.

Tiene muchos elementos a elogiar pero destaca una magnifica animación, unos escenarios tanto naturales como los que se enmarcan en el apartado fantástico que nos recuerda a las realizadas por el mítico Studio Ghibli. Así que en este apartado técnico esta serie sobresale sobre la mayoría de producciones animes de los últimos años.

Estamos ante una serie que nos cuenta una historia de ciencia ficción en la que como ya comento destaca su apartado visual y aunque se distancia de lo que podría haber sido el diseño de los personajes relacionándolos con esta trama estos son sencillamente “cute” aunque realmente lo que les ocurre en su aventura está muy lejos de ser bonito o infantil, para nada de eso.

“Made in Abyss” es dura, lacrimógena y bestia en momentos que no te esperas.  Sus personajes principales Riko y Reg lo pasan mal, muy mal, así que esta nos presenta ciertas escenas que te encojen el alma y en otras te dan un puñetazo en todo el estomago sin poder hacer nada más que seguir mirando la crueldad que desprende esta serie tras su aspecto “bonito”.

Si ya la animación es fantástica, otro de los apartados que destacaría es el de su banda sonora. Esta es obra del compositor australiano Kevin Penkin quien pese a tener otros trabajos este es el que le ha dado a conocer más internacionalmente. Su banda sonora en general es para tener en casa.

Resumen: “Made in Abbys” no es lo que parece tras un apartado técnico impecable, un diseño de personajes dignos de un producto infantil y una estupenda banda sonora. Esta es una historia de aventuras, de amor a la naturaleza, al prójimo, pero sobre todo de supervivencia en un mundo desconocido que te puede sorprender tanto gratamente como cruelmente.

SINOPSIS: Riko es una huérfana que vive en la ciudad de Orth, la cual esta rodeada de un misterioso pozo al que llaman Abismo, este llega hasta las profundidades de la Tierra. En el interior del Abismo se hallan extraños artefactos y ruinas de una avanzada civilización. Riko pertenece a los Cave Raiders  excavadores que bajan por el pozo en busca de reliquias. Pero el objetivo principal de ella es el de encontrar a su madre, una Cave Raider de élite que desaprecio en el abismo pero que de alguna forma logro mandarle un mensaje a su hija. En una de las ocasiones en que Reiko desciende esta es salvada por Reg, un niño mitad humano, mitad robot.

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ONE CUT OF THE DEAD – Shinichiro Ueda – JP – 2018 – Comedia

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Me estoy haciendo viejo. Y claro, detrás de esta obviedad/tontería hay una postura creo muy común al resto de los mortales, acentuada cuando uno es friki. ¿Pero quién no es friki? No hace falta gustarte el cine de género, los cómics o el anime. A lo mejor eres friki del punto de cruz, de las tele-novelas o del rock más duro. En fin. A lo que iba…

Por ejemplo, a estas alturas de la vida, creo que a casi todos nos da lo mismo la opinión de conocidillos, ya no digo de gente que ni has visto nunca, por eso muchas veces soltamos nuestras verdades sin calcular las consecuencias. Y aproximándonos ya a esta reseña, a estas alturas de la vida intento ver las películas lo más ‘limpio’ posible; un tráiler como mucho y ya está.

Esto puede parecer incongruente con alguien que lleva más de 20 años escribiendo reseñas de películas pero tengo que recordar que cuando comencé en ‘esto’ mi intención era dar a conocer la cinematografía asiática, algo que por aquel entonces no era tan de ‘dominio público’ como ahora. Las cosas cambian y tú no eras el mismo que hace veinte años, ¿verdad?

La cuestión es que creo que por primera vez voy a decir esto alto y claro: más que nunca es necesario poner en sobre aviso sobre una película para poder ser disfrutada al máximo, y es que esta… NO ES UNA PELÍCULA DE ZOMBIES.

Y ya no solo es que no es una película de zombies sino que… NADA ES LO QUE PARECE.

Esto viene a cuento porque tras su pase por la edición del Festival de Sitges del 2018, el film de Shinichiro Ueda se convirtió en la comidilla de todos los aficionados. A decir verdad, los que nos movemos por el fandom asiático ya habíamos oído hablar de ella por su sorprendente éxito de taquilla, pero no fue tras su presentación en el certamen catalán cuando se fue consciente de su repercusión. Ya no solo fue la positiva, entusiasta recepción sino incluso las noticias que hablaban de su pronta comercialización en nuestro país.

Dicho esto, rápidamente nos llegó por los habituales medios… ¿alegales? y claro, las expectativas eran tan altas que pronto me dispuse a verla, como decía, lo más limpio posible. En este caso ni había visto el tráiler, solo lo dicho: comentarios entusiastas y alguna imagen.

Hete ahí que cuando empecé a visionar la película, mi sorpresa fue proporcionalmente inversa a la de los miles de aficionados que la habían visto. ¿De verdad que ‘hesto’ –hago hincapié en lo de la ‘h’- era lo que muchos habían tachado como el ‘film del año?, me pregunté. Vale que el film era modesto pero no tenía gracia para encajarlo como comedia y hasta se notaban las carencias por muy humilde que fuese… Ná de ná.

En mi irreductible idiosincrasia estúpida pensé en pararla –otro de esos efectos secundarios de ese <<A estas alturas…>>  con el que comenzaba la reseña- pero menos mal que, como digo, soy imbécil y aguanté porque de otra manera me hubiese perdido realmente lo que todo el mundo decía, una de las mejores películas del año.

A ver… Sin destripar nada, que una cosa es que diga que haya que poner en sobre aviso y otra que la reviente: “One cut of the dead” no es una película de zombies, sino una película de CÓMO se hace una película –o al menos, cortometraje y ‘foundfootage’ para más señas- de zombies, que es distinto.

El propio cortometraje lo veremos en esos primeros diez minutos y tras eso veremos el proceso de su realización y el porqué de todos esos… defectos que al fin y a la postre no lo son tanto.

Y la magia de la película es que lo que parecía una, siendo francos, mierda de película, se convierte en algo único, un producto ejemplar de ensalzamiento de la amistad, la familia y la superación personal. En serio. Creerme. Un producto de zombies elevado a una oda a la unidad, algo tierno y hasta familiar.

De hecho, la vi con mis hijos y terminamos todos como en los animes con los ojos redonditos y brillantes al borde del llanto, con ganas de levantarnos del sofá, aplaudir y vitorear a la película.

Desde siempre los japoneses han sabido hacer películas vitalistas y optimistas. Los surcoreanos le van a la zaga pero a diferencia que sus vecinos, otrora invasores, se les ve el plumero pecando a veces de melodramáticos o peor, lacrimógenos.

“One cut of the dead”, además por su carácter independiente, casi amateur, trasmite una desbordante ilusión, frescura, que casi se puede palpar, esa pasión que solo los que creen en su producto pueden lograr. Solo recordar que muchos de los integrantes del equipo se pagaron de su bolsillo el viaje hasta España para presentar el film en Sitges.

Resumiendo, poco puedo añadir más: FELICIDAD absoluta. Si estás de bajón, te harás un favor a ti y a mí por verte con una sonrisa de nuevo, escogiéndola. Repito: NO ES UNA PELÍCULA DE ZOMBIES, es CÓMO se hace una película de ZOMBIES y aunque parezca mentira, esto puede incluso a provocar que veas la vida de otra manera.

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“One Cut of the Dead” (“Kamera o tomeru na!”), crítica (sin spoilers) de una de las mejores películas del 2018.

Hablamos de una de las grandes propuestas del año pasado pero que un servidor ha visto en este recién estrenado año 2019, y que se ha convertido en una de mis primeras películas favoritas de este año, se trata de “One Cut of the Dead” (“Kamera o tomeru na!”) el film japonés que se pudo ver y disfrutar en la pasada edición del Festival de Sitges ; en el cual triunfo entre el publico mas entregado, aunque sin premio alguno.

Lo primero que se ha de decir de esta cinta dirigida y escrita por Shinichiro Ueda es que se ha de ver sin saber nada de ella, pues así el espectador logra encontrarse con sorpresa tras sorpresa en un film que pese a su bajo presupuesto ha logrado ser un enorme éxito en la taquilla japonesa durante muchas semanas. Esperemos que cuando llegue aquí de manos de la distribuidora La Aventura ese éxito se vea reflejado. Aunque sea un poquito nada más.

Lo que si podemos decir sobre “One cut of the dead” es que comienza siendo una película de zombies, con poco money pero echándole ganas sus responsables, y cuyo tono de serie Z puede echar a alguien para atrás pero les ruego que esperen un poco pues a partir de su media hora la película dará un giro radical que dejara con el culo torcido en la silla a más de un@, pero literalmente. Sobre este giro es mejor que no sepan nada hasta que la vean pues merece mucho la pena descubrirlo por ustedes mism@s.

Habria que destacar varias cosas de esta cinta, entre ellas a Shinichiro Ueda quien debuta en la direccion  haciendo un trabajo sublime detrás de las cámaras  (un plano secuencia brutal) apostando por el realismo o lo que se suele llamar el documental falso pero sobre todo por un guion que merecería un oscar pues es sencillamente brillante. Y al  reparto al completo de esta película que encabezan Yuzuki Akiyama,  Takuya Fujimura,  Ayana Gôda,  Takayuki Hamatsu,  Manabu Hosoi, Hiroshi Ichihara,  Satoshi Iwagô,  Sakina Iwaji, y Kazuaki Nagaya. Todos ell@s están geniales en sus respectivos papeles.

Ya no diré nada mas pues desde aquí serian ya spoilers y la verdad es que prefiero que la vean y ya luego si quieren comentar por aquí estaremos para hablar de esta joya del cine moderno que gustara tanto a los fans del cine de zombies aunque sean por sus guiños al subgénero, como por los que sepan disfrutar de una excelente comedia.

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“Maquia, una historia de amor inmortal” (“Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou”), nuestra crítica (Opinión) de esta estupenda producción anime.

Maquia, una historia de amor inmortal” (“Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou”) es por ahora la última película de animación japonesa que ha estrenado la distribuidora española de Selecta Visión en los cines españoles. Su estreno en salas de nuestro país tuvo lugar el pasado 9 de noviembre. Sinceramente me ha encantado verla en un cine por que propuestas como estas se lo merecen.

Esta película que ha supuesto el debut en la dirección de la hasta ahora guionista Mari Okada (“AnoHana”), también es la guionista de esta cinta, destaca sobre todo en lo que es su apartado visual que es sencillamente de lo más espectacular que se ha visto este año dentro de la animación cinematográfica (con permiso de “Los increibles 2”) y por ello es de agradecer haberla visto en la gran pantalla.

El film de Mari Okada premiado en diversos festivales de Cine como el del Festival Internacional de Shanghái: Premio Copa de Oro a la Mejor Película de Animación nos cuenta una trágica historia que gira en torno a la maternidad, ese estado maternal que hace de las mujeres tan fuertes y luchadoras por el bien de su hijo; aunque también toca el tema del amor mas allá del materno llegando al tema del incesto pero sin adentrarse en este profundamente.

Esta producción anime nos adentra de una trama que se ubica dentro del cine de ciencia ficción en el que se narra  el caos que es originado por el hombre por lograr lo que no tiene y que lo lleva a provocar una guerra contra los inocentes; está claro que este tema bélico no es nuevo pero se plantea de forma secundaria, aunque importante dentro de la historia.

La protagonista es un personaje que me ha encantado, Maquia es una joven inmortal y la cual nunca envejecerá, en un principio al ver como su mundo se derrumba ante una guerra injusta que le arrebata todo aquello que le es conocido es un personaje frágil que solo busca huir de la devastación aunque en su camino encontrara la razón y la fuerza para subsistir en ese mundo tan cruel.

SINOPSIS: Maquia es una tímida y solitaria chica de 15 años que proviene del Clan de los Separados, a los que también se les conoce como Iolph, un antiguo clan de místicos de pelo rubio que tejen Hibiol, una tela fina y translúcida que contiene mensajes encriptados y que marca el paso del tiempo. Este clan está bendecido con la inmortalidad. Maquia tendrá que huir al ser su país atacado por un país invasor que busca la explicación a esa longevidad eterna. En su camino encontrara a un bebe en manos de su madre muerta al que salvara de seguir el mismo camino.

RESUMIENDO: “Maquia una historia de amor inmortal” es un film que se sale de lo habitual que vemos de la industria del anime aunque solo sea por esa dura y traumática historia que cuenta, incluso tocando algún tema que podría ser polémico pero que la directora sabe cómo no escandalizar con el mismo. Y por ese personaje de Maquia que es la representación del ser humano mas noble y luchador.

 

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“RE:BORN” – Yuji Shimomura – JP – 2016 – Acción

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A veces las sensaciones no vienen dadas por unas expectativas, comentarios de terceros, gente implicada o sentencias que a voz en grito apelaban a nuestra nostalgia diciendo que esta obra era el ‘canto del cisne’ de Tak Sakaguchi, no. A veces simplemente basta una imagen, ver a Masaya Kato al inicio del film, y saber que estamos ante algo grande, por mucha tontería que parezca.

Pero si es por tontería, yo tengo mucha así es que de eso no me podéis acusar.

Mirad si soy tonto que aún conservo la camiseta que me compré de “Versus” allá por el 2002… Ni falta hará decir que por aquella época, sería de los pocos por estos lares que tendría una. Por esa razón, añadiendo algo de soberbia a mi sarta de idioteces, diré que a mí nadie me tiene que presentar al amigo Tak.

Pues bien, en mi inabarcable estupidez había olvidado lo bueno que era este. Que sí, que entre los Tony Jaas de turno e Iko Uwais del momento, uno había llegado a olvidar a Tak y lo que supuso en la anterior década.
Pero ha tenido que llegar esta “Re:born” para, si bien no reconocer lo imbécil que es uno –eso ya lo sabía- sí para poner a cada uno en su lugar.

Lo primero que hay que decir es que, por mucho que Sion Sono haya participado en su guión –amigo de Tak-su desarrollo no puede ser más simplón y manido. Nos encontramos frente a un super-soldado/espía/killer/perroflauta que se encuentra retirado y al cuidado, para mayor decepción de millenians creativos, de una niña.

Así, tras unos primeros veinte minutos de cine de geriátrico con historia contemplativa de niña y prota mostrándonos lo bonito de una relación aburrida y casi al borde de la denuncia en la oficina de ‘Asuntos sociales’, empieza un festival de la acción, artes marciales y armas blancas que deja al duelo final de “The raid II” a la altura de las discusiones de Heidi y su abuelo en la serie animada de Takahata. Es decir, vamos a ver más navajazos que en todo el cine quinqui español de los setenta y ochenta juntos, y cortes de cuello que ríase usted de la pollería de mi barrio con más de cien años de historia.

Lo que Sakaguchi y Yuji Shimomura nos ofrece es un deleite de movimientos rápidos, coreografías limpias y encuadres perfectos para que el espectáculo sea lo más asimilable posible. Es cierto que en alguna escena el montaje peca de abrupto pudiéndose adivinar algún fallo de continuidad, pero es algo que solo los maniáticos como un servidor apreciarán.

Los que pasen de maniáticos a directamente críticos, le achacarán un estilo videoclipero o de videojuego, etiqueta con la que se suele atacar a estos productos sin saber que a muchos eso no nos parece un insulto, al revés, es un aliciente, pero como estoy diciendo, es una apreciación con más intención de ataque que informativa.

Pasajes como ese ochenta –sí, ochenta- contra uno o la de la cabina telefónica con una siempre sugerente jovencita con falda de tablas, por destacar alguna escena entre las muchas a subrayar, son alicientes de sobra para destacar a esta “Re:born” como una de las mejores del año en su género.

Resumiendo, coges “Metal gear solid”, cualquiera de Bourne, de John Wick, lo adaptas al medio cinematográfico con un guión que te permita hora y pico de peleas y lo envuelves con una buena banda sonora que aporte solidez apartándolo de la serie B, y obtienes un éxito seguro. A la pregunta de cuál era mejor si “The raid 2” o “SPL 2”, se le une una tercera contendiente con menos medios pero similar intensidad.

 

Crítica (Opinión) para “Godzilla: El planeta de los monstruos” (Gojira: Kaijū Wakusei).

Godzilla: El planeta de los monstruos (Gojira: Kaijū Wakusei) es la nueva película que sobre el mítico G de la TOHO nacido del miedo de Japón a la radiación tras las trágicas bombas caídas sobre Nagasaki e Hiroshima. La película que lo empezó todo fue Japón bajo el terror del monstruo que dirigiese Ishiro Honda en 1954 y que daría pie a una larga franquicia que aun hoy sigue vivita y coleando. 

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Netflix ha estrenado la que es la primera película de una trilogía animada, la primera en la que el personaje de Godzilla participa, sino contamos la serie de animación que se produjo en Estados Unidos hace ya unos cuantos años. Primero esta trilogía tendrá su estreno en cines Japoneses y luego podrá ser emitida por la ya mencionada plataforma online.

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Esta primera entrega es muy entretenida, cuenta con una trama poco ingeniosa la cual rinde homenaje a muchas de las películas anteriores del personaje, incluyendo a la última cinta venida de estados Unidos dirigida por Gareth Edwards. El diseño de Godzilla es el mismo que el de esa película estrenada en 2014.

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La animación en CGI no es de mi agrado, los responsables de la animación CGI es Polygon Pictures, cuya obra Ajin me tiene enamorado, no me parece tan mala aunque sigo prefiriendo la animación más tradicional. Eso si, en este campo lo del personaje de Godzilla me pareció de lo peor de la película.

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Godzilla: El planeta de los monstruos es una propuesta curiosa que entretiene y la cual se deja ver con facilidad, creo que esta necesitaría de un argumento más elaborado, vamos a esperar a ver las tres películas en conjunto para ver como se engloba todo, y unos personajes más trabajados pero en general no ha estado mal del todo.

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